en http://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/2.0/uk/ Thu, 1 Jan 1970 00:00:00 +0000 Thu, 1 Jan 1970 00:00:00 +0000 60 http://www.audioscrobbler.net/data/webservices http://www.last.fm/user/Schrubbel/journal The Last.fm journal for Schrubbel. Last.fm journals are a place to talk about all things music. http://www.last.fm/user/Schrubbel/journal/2010/01/24/3d4vbp_solveig_slettahjell__nordischer_wildfang_-_northern_little_devil Sun, 24 Jan 2010 15:18:01 +0000 http://www.last.fm/user/Schrubbel/journal/2010/01/24/3d4vbp_solveig_slettahjell__nordischer_wildfang_-_northern_little_devil Nordischer Wildfang



http://www.lastfm.de/music/Solveig+Slettahjell
http://www.solveigslettahjell.no/
http://www.actmusic.com/artist_detail.php?manufacturers_id=22

"Tarpan Seasons" hat Solveig Slettahjell ihr neues, wieder mit dem Slow Motion Orchestra (SMO) aufgenommenes Album genannt. Tarpan ist die Bezeichnung für eine ausgestorbene eurasische Wildpferdart. Und von einem - allerdings quicklebendigen - Wildpferd hat die norwegische Sängerin und Songschreiberin denn auch so einiges. Sie lässt sich stilistisch nicht eingrenzen, sondern streicht nach Belieben durch die weiten Gefilde von Jazz, Soul, Folk und hier nicht zuletzt auch Country-Musik. "Die Songs von 'Tarpan Seasons' sind mindestens ebenso sehr von Soul- und Country-Musik beeinflusst wie vom traditionellen Jazz", meint Slettahjell folglich auch. "In den Liedern versuche ich, die großen Themen des Lebens auf die erdenklich einfachste Weise anzusprechen."

Das fabelhafte Slow Motion Orchestra, mit dem Solveig in den Anfangsjahren auf sehr eigene Art vornehmlich amerikanische Jazzstandards interpretierte, setzt sich auch mit den Originalen des sechsten Albums äußerst kreativ auseinander. Die Stücke von "Tarpan Seasons" sind Frucht eines Kompositionsauftrags, den die Sängerin von den künstlerischen Leitern des Vossa Jazz Festivals erhalten hatte. Im April 2009 erlebten Teile des Repertoires dort ihre Uraufführung. Derzeit besteht das 2001 entstandene SMO aus sechs Musikern: Trompeter Sjur Miljeteig, Pianist Morten Qvenild und Schlagzeuger Per Oddvar Johansen gehören schon von Beginn an zur Formation, Bassist Jo Berger Myhre kam 2007 für Mats Eilertsen in die Band und Andreas Ulvo (Piano und Orgel) sowie Even Hermansen (Gitarre) sind die jüngsten Neuzugänge. Eine wichtige Rolle spielt außerdem der Toningenieur Asle Karlstad, der die Band auch auf Konzertreisen begleitet.

Solveig Slettahjell selbst singt von klein auf. Noch heute hört man bei der studierten Jazzsängerin (die an der Norwegischen Musikhochschule in Oslo ausgebildet wurde) heraus, dass sie in ihrer Kindheit im Kirchenchor alte norwegische Hymnen und amerikanische Spirituals sang. Aber auch die Musik amerikanischer Singer/Songwriter hat den musischen Werdegang der heute 38-jährigen Künstlerin geprägt. Mit "Tarpan Season" festigt der nordische Wildfang nun seinen Ruf, eine der ausdrucksreichsten und wirklich einzigartigen Sängerinnen Norwegens zu sein - fernab aller gängigen Klischees.

Im Februar und März wird Solveig Slettahjell mit dem Slow Motion Orchestra eine ausgedehnte Tournee durch Deutschland unternehmen, in deren Verlauf sie die Songs von "Tarpan Seasons" live vorstellen wird. Mit etwas Glück können Sie übrigens bei unserem aktuellen Gewinnspiel Gästelistenplätze für eines der Konzerte abstauben. Versuchen Sie es!

Termine/Lokalitäten:

24.02.10, Berlin, A-Trane
25.02.10, Hamburg, Fabrik
26.02.10, Dortmund, Domicil
27.02.10, Hannover, Pavillon
02.03.10, Heidelberg, Karlstorbahnhof
03.03.10, Kaiserslautern, Kammgarn
04.03.10, Marburg, Kfz
05.03.10, Karlsruhe, Tollhaus
07.03.10, Mainz, Frankfurter Hof
08.03.10, Heidenheim, Café Swing
09.03.10, München, Unterfahrt
10.03.10, Regensburg, Jazzclub
11.03.10, Landsberg, Stadttheater
12.03.10, Stuttgart, BIX Jazzclub
13.03.10, Heilbronn, Cave 61
14.03.10, Freiburg, Jazzhaus

New Album :

Solveig Slettahjell
Tarpan Seasons
VÖ: 22.01.2010
CD 0602527294506
Emarcy Records

Translation : Northern little devil



Tarpan Seasons" has Solveig Slettahjell her new, again with the Slow inflexion Orchestra (SMO) taken up album called. Tarpan is the name for an extinct Eurasian wild horse's kind. And from - indeed, very lively - wild horse has the Norwegian singer and song writer also thus something. She cannot be limited stylistically, but glides just as one likes by the wide fields of jazz, soul, folk and here not least also Country music. "The songs from 'Tarpan Seasons' are influenced at least also very much by soul and Country music like from the traditional jazz", also believes Slettahjell consequently. "In the songs I try to appeal to the big subjects of the life in the conceivably easiest manner."

The splendid Slow inflexion Orchestra, with the Solveig during the beginning years in very own kind of particularly American jazz standards interpreted, also argues with the originals of the sixth album extremely creatively. The pieces of "Tarpan Seasons" are a fruit of a composition order which the singer had received from the artistic leaders of the Vossa jazz festivals. In April, 2009 to experienced parts of the repertoire there her premiere. Currently the SMO resulted in 2001 exists of six musicians: Trumpet players Sjur Miljeteig, pianist Morten Qvenild and drummer by Oddvar Johansen already belong from beginning to the formation, bassist Jo Berger Myhre came in 2007 for Mats Eilertsen to the tape and Andreas Ulvo (piano and organ) as well as Even Hermansen (guitar) are the latest new entries. Moreover, the sound engineer Asle Karlstad who accompanies the tape also on concert travelling plays an important role.

Solveig Slettahjell sings from an early age. Still today one hears with the studied jazz singer (who was trained in the Norwegian college of music in Oslo) out that she sang old Norwegian hymns and American Spirituals in her childhood in the church choir. But also the music American Singer / songwriter has stamped the artistic development of the artist 38-year-old today. Now with "Tarpan Season" the northern little devil strengthens his call to be one of the really unique singers richest in expression of Norway - far away of all current stereotypes.

In February and March Solveig Slettahjell with the Slow will undertake inflexion Orchestra a vast tour through Germany in whose course she will introduce the songs of "Tarpan Seasons" live. With some luck you can dust, by the way, with our topical lottery company places for one of the concerts. Try it!

New Album :

Solveig Slettahjell
Tarpan Seasons
VÖ: 22.01.2010
CD 0602527294506
Emarcy Records]]> http://www.last.fm/user/Schrubbel/journal/2010/01/07/3bkjb0_david_sanborn_-_new_cd_only_everything Thu, 7 Jan 2010 14:10:50 +0000 http://www.last.fm/user/Schrubbel/journal/2010/01/07/3bkjb0_david_sanborn_-_new_cd_only_everything 06.01.2010
Only Everything



http://www.lastfm.de/music/David%2520Sanborn?ac=David%20Sanborn
Homepage: http://www.davidsanborn.com/


“Unter den großen Saxophonisten der letzten vier Jahrzehnte”, so hieß es einmal im amerikanischen Rolling Stone, “hat David Sanborn sich eine ganz eigene Identität erspielt. Er ist Jazz, er ist Funk, er ist Soul, er ist Pop, er ist Blues, er ist Rock. Das Beeindruckendste ist dabei, dass er sich mit einer Instrumentalstimme, die sowohl kraftvoll als auch zärtlich, sinnlich als auch subtil ist, in jedem dieser Genres hervortut.”

Mit “Only Everything” zollt Sanborn der Ästhetik von Ray Charles nun schon zum zweiten Mal Tribut. Und wie beim ersten Anlauf betrachtet er seine musikalischen Wurzeln auch diesmal aus einer neuen Perspektive. Die New York Times nannte das 2008 erschienene Vorgängeralbum “Here And Gone” “ein entwaffnendes Vergnügen”. Jetzt kehrt der Altsaxophonist mit neu entfachter Leidenschaft auf dasselbe Terrain zurück.

“Wenn mich jemand fragen würde, was Ray - oder Rays Musiker - mir bedeuteten, dann könnte meine Antwort lauten: ‘Only everything’”, sagt David Sanborn. “Die Grundlage des Albums ‘Only Everything’ ist Dankbarkeit. Ich bin nicht nur für das musikalische Leben, das ich führen durfte, dankbar, sondern auch für die ursprünglichen Inspirationsquellen, die mich noch fünfzig Jahre, nachdem ich auf sie gestoßen bin, erfüllen und begeistern.”

Die dafür ausschlaggebende Begegnung fand in Sanborns musikalischem Leben 1956 statt, als er elf Jahre alt war. “Mein Dad nahm mich ins Kiel Auditorium mit, eine Sporthalle, die während der Basketballsaison die Heimat der St. Louis Hawks war und ansonsten als Bühne für Bigbandkonzerte fungierte”, erinnert sich Sanborn. “Als ich Ray dort das erste Mal persönlich erlebte, trat er mit einer kleinen Band auf. Ich kannte ihn da schon durch seine Aufnahmen von ‘I Got A Woman’, ‘Drown In My Own Tears’ und ‘Night Time (Is the Right Time)’. Diese Songs hatten meine Inspiration befeuert. Aber seine Live-Performance verwandelte mich. Er sang mit einer Leidenschaft, wie ich sie nie zuvor erlebt hatte. Obwohl seine Stücke eigentlich Pop-Hits waren, waren sie vom Blues durchtränkt. Neben der Autorität seiner Stimme und den Funken seines elektrischen Pianos nahmen mich zwei zusätzliche Kräfte aus Rays Welt gefangen und ließen mich bis heute nicht los: Die erste war Hank Crawford, die zweite David ‘Fathead’ Newman, die beiden Starsaxophonisten der Band. Hank und Fathead hatten jeweils eigene Stimmen, die - obwohl verschieden - eng mit der Stimme von Ray verknüpft waren. Es war die Stimme des Schmerzes, der Freude, der Erlösung und der Erleichterung. Beide spielten eine Mischung aus zutiefst ländlichem Blues, geweihter Gospelmusik und großstädtischem Jazz. Die Botschaft dieser Musik traf mich wie ein Blitz: Besorg dir ein Sax.”

Sanborn legte sich ein Saxophon zu und darüber hinaus noch eine eigene Stimme. Wie nur eine Hand voll anderer Altsaxophonisten in der Musikgeschichte - Benny Carter, Johnny Hodges, Earl Bostic, Charlie Parker, Cannonball Adderley, Paul Desmond - kann man Sanborn sofort an seinem Klang identifizieren. Seine musikalische Stimme ist zutiefst menschlich, ein Aufschrei sowohl des Schmerzes als auch der Freude.

“Wenn ich eine Platte mache”, erklärt er, “suche ich nach einem Grundklang und verwende diesen als einigende Quelle, als hörbares Zentrum der Platte. Bei ‘Only Everything’ einigte ich mich mit Phil Ramone, der auch schon ‘Here And Gone’ produziert hatte, darauf, dass dieser Klang der von Joey DeFrancescos Orgel sein sollte. Joey ist meines Erachtens der amtierende König der Hammond-B3-Orgel. Er beherrscht das Instrument komplett. Aber er ist nicht nur in technischer Hinsicht ein bemerkenswerter Spieler, Joey hat auch Gefühl wie kein zweiter. Keiner schafft es härter zu grooven und dennoch spielt auch niemand relaxter als er. Während dies meine erste Aufnahmesession mit Joey war, bilde ich mit Steve Gadd seit Jahren ein Team. Er ist ein bemerkenswerter Schlagzeuger, der ganz im Dienste der Musik spielt. Er koloriert seine Trommeltöne in unaufdringlicher Art und treibt uns noch an, wenn er sich entspannt zurücklehnt.”

Die ersten drei Songs von “Only Everything” hält Sanborn für die definitiven Grundpfeiler des Albums. “‘The Peeper’ ist meine Hommage an Hank Crawford”, führt Sanborn aus. “Hank schrieb diesen Song, nahm ihn auf und betrachtete ihn als seine Erkennungsmelodie. Ich war siebzehn Jahre alt, als ich ‘The Peeper’ auf Hanks Album ‘From The Heart’ entdeckte. Ich liebte das Album so sehr, dass ich es mit ins Bett nahm und unter meinem Kopfkissen versteckte. Bei seinen frühen Solosessions spielte Hank mit Rays Band, aber ohne Ray selbst. Die Abwesenheit eines Tasteninstruments verlieh Hank eine erstaunliche Präsenz. Er sprang einen förmlich von der Vinylscheibe aus an und blies einem direkt ins Gesicht. Auf ‘Only Everything’ wollte ich an diese Spielhaltung anknüpfen, aber mit neuen Ideen.”

“Only Everything” ist eine brandneue Sanborn-Komposition, die wie eine zeitlose Soulballade aus den Fünfzigern daherkommt. “Das Stück ist meiner Freundin Sofia und meiner kleinen Enkelin Genevieve gewidmet”, verrät der Komponist. “Ich denke, diesen Song könnten auch die großen Meister gespielt haben, die mich beeinflussten: Typen wie Lockjaw Davis und Gene Ammons. Es ist eine auf dem Blues basierende Nummer, aber ich bin ja schließlich selbst auch im Blues verwurzelt. Ich glaube, es war Mose Allison, der gesagt hat, dass es zwei Arten von Songs gibt: den Blues und alles andere. Auch bluesbasierte Musik ist für mich ‘only everything’.”

“Hard Times” bezeichnete der bekannte Produzent Jerry Wexler einmal als ein von “Fathead Newman auf dem Altsax artikuliertes Thema, eine eindringliche Hymne, die noch heute in rechtschaffenen Bluesbars im ganzen Land gespielt wird”. Diese Worte zaubern Sanborn ein breites Grinsen aufs Gesicht. “Ich hörte ‘Hard Times’ das erste Mal aus einer Jukebox, als ich 14 war”, erinnert er sich. “Der Song war damals gerade erst auf Newmans Album ‘ Ray Charles Presents Fathead’ herausgekommen. Und er haute mich um. Als ich hörte, mit was für einer Eloquenz und Anmut Fathead seine Geschichte erzählte, wusste ich, dass ich nie dazu in der Lage sein würde, etwas so Einfaches und doch Komplexes zu spielen. In diesem Augenblick wurde mir klar, dass ich Poesie hörte.”

Sanborn hat im Laufe seiner Karriere viele höchst erfolgreiche Begegnungen mit Sängern und Sängerinnen gehabt - von David Bowie über Linda Ronstadt bis Little Jimmy Scott. Auch “Only Everything” enthält zwei solcher Begegnungen. Die erste hat er hier mit Joss Stone, deren Interpretation von Ray Charles’ “Let The Good Times Roll” absolut fesselnd ist. Der Song wurde in den 1940er Jahren zwar schon von Louis Jordan aufgenommen, als die definitive Aufnahme dieser Nummer gilt allerdings Rays eigene Version für das bahnbrechende Album “The Genius Of Ray Charles”. In Gil Goldstein Arrangement hallt das Arrangement wider, das Quincy Jones 1959 für Rays Originalaufnahme geschrieben hatte. “Joss ist eine junge Frau mit einer alten Seele”, meint David Sanborn. “Sie ist eine Naturkraft, die die Urgewalt von Soulmusik versteht. Dies ist unser zweites Aufeinandertreffen. Auf ‘Here And Gone’ sang sie Rays ‘I Believe To My Soul’, einen düsteren Song von mörderischer Intensität. Diesmal wollte ich Joss die reine Freude von Rays sinnlicher Seite ausdrücken lassen. Sie zog sich brillant aus der Affäre.”

Dizzy Gillespie sagte einst, dass Ray Balladen in einem so langsamen Tempo vortrug, dass man zwischen zwei Beats lässig einmal um den Block spazieren konnte. Ein solches Tempo verpasst Sanborn hier dem Klassiker “Baby, Won’t You Please Come Home”. “Ungefähr zur selben Zeit, als Ray mein Musikverständnis formte, übte auch Miles einen ungeheuren Einfluss auf mich aus”, berichtet Sanborn. “Ich hörte sein Album ‘Seven Steps To Heaven’, als ich ein Teenager war. Mit Victor Feldman am Vibraphon spielte Miles eine Version von ‘Baby, Won’t You Please Come Home’, die mir bis ins Mark ging.”

In den 1950ern und frühen 1960ern nahm sich Miles vieler Songs an, die damals als überaltet galten, und ließ sie neu klingen. Indem er ihren emotionalen Kern freilegte, erfand er sie neu. In dieser Hinsicht hatte er etwas mit Ray Charles gemein: beide verstanden es, etwas Banales in etwas Wunderbares zu verwandeln. Sanborn tut dies hier mit “You’ve Changed”. “Ich assoziiere das Lied mit Little Jimmy Scott, der einer von Rays Lieblingssängern war”, meint der Saxophonist. Ray verehrte Scott so sehr, dass er - obwohl er nur selten andere Künstler produzierte - 1962 bei der Aufnahme von dessen brillanten Album “Falling In Love Is Wonderful” Regie führte. Jimmy steuerte auch 1995 zu Sanborns Album “Pearls” eine glühende Interpretation von “For All We Know” bei. Die Version von “You’ve Changed”, auf die sich Sanborn hier bezieht, stammt von Scotts wenig bekanntem 1975er Savoy-Album “Can’t We Begin Again”. Wie Jimmy ist David ein ungemein beseelter Balladeninterpret. “Er spielt nicht Saxophon”, meinte Scott einmal über Sanborn, “er singt durch das Saxophon. David und ich, Mann, wir verkehren miteinander wie zwei Sänger.”

Als Miles Davis sich einmal über Sänger ausließ, sagte er, James Taylor “singt, als wäre er blind”. Diese Beobachtung ist besonders treffend, wenn man hört, wie Taylor und Sanborn auf diesem Album Ray Charles’ “Hallelujah, I Love Her So” interpretieren. “James erzählte mir, dass er den Song am Anfang seiner Karriere gesungen habe”, sagt Sanborn. “Er schickte mir ein einfaches Demo-Band zu, auf dem er ihn nur mit seiner Stimme und Gitarre aufgenommen hatte. Die Aufnahme war wunderbar entspannt, und ich wusste gleich, dass wir dieses Feeling auch im Studio beibehalten mussten. James schaffte es. Er erzählte die Geschichte - so wie er all seine Geschichten erzählt - mit einer warmen Natürlichkeit, die den Blues zurückschlägt.”

Es sollte über 30 Jahre dauern, bis Ray Charles den Klassiker “Blues In The Night” aufnahm. Als er das bereits 1941 geschriebene Stück 1979 endlich für sein Album “Ain’t It So” einsang, sagte er: “Harold Arlen und Johnny Mercer waren ganz schöne Hurensöhne. Mit ‘Blues In The Night’ schufen sie eine der absolut grandiosesten Bluesballaden aller Zeiten. Jeder hat diesen Song im Repertoire, von Woody Herman über Artie Shaw bis Rosie Clooney. Ich wollte ihn schon seit langem machen, brauchte aber eine halbe Ewigkeit, um einen Zugang zu ihm zu bekommen. Schließlich schnallte ich, dass es mit dem Tempo zu tun hatte. Ich musste den Scheiß verlangsamen - und das nicht zu knapp.” Sanborn kam zum selben Entschluss. Seine Interpretation dieser Arlen/Mercer-Nummer ist, wie eigentlich alles auf “Only Everything”, eine weitere leidenschaftliche Revision des Blues. Und wenn David Sanborn den Blues einer Revision unterzieht, dann wird er in die Zeit zurückkatapultiert, als er diese urwüchsige musikalische Quelle erst entdeckte und voller Neugier und Passion erforschte. Mit ganzem Herzen und ganzer Seele erfindet er die Musik, auf deren Gebiet er ein unbestrittener Meister ist, hier neu.

New Album



David Sanborn
Only Everything
VÖ: 19.02.2010
CD 0602527270531
Decca

Translation

Only Everything



http://www.lastfm.de/music/David%2520Sanborn?ac=David%20Sanborn
Homepage: http://www.davidsanborn.com/

“Among the big saxophonists of the last four decades”, it is said so once in the American Rolling Stone, “David Sanborn to himself has won quite an own identity. It is a jazz, it is a radio, it is a soul, it is a pop, it is blues, it is a rock. The most impressive is present that he sensuous to himself with an instrumental voice which powerfully is as well as affectionate subtle as well as, in each of these genres hervortut.”

Now with "Only Everything" Sanborn of the aesthetics of Ray Charles already gives for the second time tribute. And as with the first approach he looks at his musical roots also this time from a new perspective. The New York Times called the predecessor's album appeared in 2008 “Here And Gone” “a disarming pleasure”. Now the old saxophonist with passion kindled anew on the same terrain returns.

“If me somebody asked what Ray - or Rays meant to musician - to me, then my answer could be: ‘Only everything’”, says David Sanborn. “The basis of the album ‘Only Everything’ is a gratitude. I am not only for the musical life which I might lead, thankfully, but also for the original inspiration springs which fulfil me another fifty years, after I have bumped into them, and arouse enthusiasm.”

The meeting decisive for it took place in Sanborns to musical life in 1956 when he was eleven years old. “My Dad took me in Kiel lecture hall, a gymnasium which was the native country St. Louis Hawks during the basketball season and acted otherwise as a stage for Bigbandkonzerte”, remembers Sanborn.“ When I experienced Ray there the first time personally, he appeared with a small volume. I knew him there already by his admissions from ‘I Got A Woman’, ‘Drown in micron Own Tears’ and ‘Night time (Is the Right time)’. These songs had beaconed my inspiration. But his live performance transformed me. He sang with a passion as I had never before experienced them. Although his pieces were, actually, pop hits, they were impregnated by blues. Beside the authority of his voice and the sparks of his electric piano two additional forces from Rays world arrested me and did not let go me till this day: The first one was Hank Crawford, the second David 'Fathead' Newman, both star saxophonists the volume. Hank and Fathead had in each case own voices which were tied together - although passed away - closely with the voice by Ray. It was the voice of pain, the joy, the redemption and the relief. Both played a mixture of deeply rural blues, consecrated gospel song music and urban jazz. The message of this music met me like a flash: Procure for you a Sax.”

Sanborn got a saxophone and, in addition, still own voice. As only one handful of other old saxophonists in the history of music - Benny Carter, Johnny Hodges, Earl Bostic, Charlie Parker, Cannonball Adderley, Paul Desmond - one can identify Sanborn immediately in his sound. His musical voice is deeply human, a scream pain as well as the joy.

“If I make a record”, he explains, “I look for a basic sound and use this as a uniting spring, as an audible centre of the record. With ‘Only Everything’ I agreed with Phil Ramone who had already produced ‘Here And Gone', on the fact that this sound that of Joey DeFrancesco's organ should be. Joey is in my opinion the acting king of the Hammond B3 organ. He controls the instrument completely. But he is not only in technical regard a noteworthy player, Joey also has feeling like no second one. Nobody gets to groove harder and still nobody also plays more relaxed than he. While this my first admission session with Joey was, I form with Steve Gadd for many years a team. He is a noteworthy drummer who completely plays in the service of the music. He colours his drum tones in unobstrusive kind and still drives us if he leans back calmly.”

Sanborn holds the first three songs of "Only Everything" for the definitive mainstays of the album. “'The Peeper' is my homage to Hank Crawford”, explains Sanborn. “Hank wrote this song, took up him and looked at him as his theme song. I was seventeen years old when I discovered album ‘From The Heart’ ‘The Peeper’ on Hanks. I loved the album so much that I took it with in the bed and hid under my pillow. With his early Solosessions Hank with Rays played tape, but without Ray himself. The absence of a keyboard instrument lent an astonishing presence to Hank. He jumped formally from the vinyl disc and blew directly in the face. On ‘Only Everything’ I wanted to go back to this play position, but with new ideas.”

"Only Everything" is a brand-new Sanborn composition which comes along like a timeless soul ballad from the Fünfzigern. “The piece is dedicated to my friend Sofia and my small granddaughter Genevieve”, betrays the composer. “I think, the big masters who influenced me could also have played this song: Types like Lockjaw Davis and genes Ammons. It is a number basing on blues, but I have rooted, finally, myself also in blues. I believe, it was Mose Allison who has said that there are two kinds of songs: blues and all other. Also bluesbasierte music is for me ‘only everything’.”

“Hard Times” bezeichnete der bekannte Produzent Jerry Wexler einmal als ein von “Fathead Newman auf dem Altsax artikuliertes Thema, eine eindringliche Hymne, die noch heute in rechtschaffenen Bluesbars im ganzen Land gespielt wird”. Diese Worte zaubern Sanborn ein breites Grinsen aufs Gesicht. “Ich hörte ‘Hard Times’ das erste Mal aus einer Jukebox, als ich 14 war”, erinnert er sich. “Der Song war damals gerade erst auf Newmans Album ‘ Ray Charles Presents Fathead’ herausgekommen. Und er haute mich um. Als ich hörte, mit was für einer Eloquenz und Anmut Fathead seine Geschichte erzählte, wusste ich, dass ich nie dazu in der Lage sein würde, etwas so Einfaches und doch Komplexes zu spielen. In diesem Augenblick wurde mir klar, dass ich Poesie hörte.”

Sanborn hat im Laufe seiner Karriere viele höchst erfolgreiche Begegnungen mit Sängern und Sängerinnen gehabt - von David Bowie über Linda Ronstadt bis Little Jimmy Scott. Auch “Only Everything” enthält zwei solcher Begegnungen. Die erste hat er hier mit Joss Stone, deren Interpretation von Ray Charles’ “Let The Good Times Roll” absolut fesselnd ist. Der Song wurde in den 1940er Jahren zwar schon von Louis Jordan aufgenommen, als die definitive Aufnahme dieser Nummer gilt allerdings Rays eigene Version für das bahnbrechende Album “The Genius Of Ray Charles”. In Gil Goldstein Arrangement hallt das Arrangement wider, das Quincy Jones 1959 für Rays Originalaufnahme geschrieben hatte. “Joss ist eine junge Frau mit einer alten Seele”, meint David Sanborn. “Sie ist eine Naturkraft, die die Urgewalt von Soulmusik versteht. Dies ist unser zweites Aufeinandertreffen. Auf ‘Here And Gone’ sang sie Rays ‘I Believe To My Soul’, einen düsteren Song von mörderischer Intensität. Diesmal wollte ich Joss die reine Freude von Rays sinnlicher Seite ausdrücken lassen. Sie zog sich brillant aus der Affäre.”

Once Dizzy Gillespie said that Ray Balladen reported in a so slow tempo that one could walk between two beats carelessly once around the block. Such a tempo misses Sanborn here to the classic “baby, Won't You Please Come Home”. “About at the same time when Ray formed my music understanding also exercised Miles an immense influence on me”, reports Sanborn. “I heard his album ‘Seven Steps To Heaven’ when I was a teenager. With Victor Feldman in the vibraphone Miles played a version of ‘baby, Won't You Please Come Home’ which went for me to the core.”

In the 1950th and early 1960th took care Miles of many songs which were valid at that time as überaltet, and let them sound new. While he exposed her emotional core, he invented them anew. In this regard he had something with Ray Charles commonly: both knew how to transform something banal into something miraculous. Sanborn does this here with "You've Changed".“ I associate the song with Little Jimmy Scott who was one of Rays to favorite singers”, believes the saxophonist. Ray revered Scott so much that he led brilliantly album "Falling In Love Is Wonderful" direction - although he produced only seldom other artists - in 1962 with the admission of that. Jimmy also contributed in 1995 to Sanborns album "Pearls" a glowing interpretation of "For All We Know". The version of "You've Changed" to which Sanborn refers here comes from Scotts to the a little known 1975th Savoy album "Can't We Begin Again". Like Jimmy David is a tremendously inspired ballad interpreter. “He does not play the saxophone”, believed Scott once about Sanborn, “he sings by the saxophone. David and I, man, we operate with each other like two singers.”

When Miles Davis spoke once about singer, he said, James Taylor “sings as if he was blind”. This observation is especially suitable if one hears, like Taylor and Sanborn on this album Ray Charles' “Hallelujah, I Love interpret Here Thus”. “James told me that he has sung the song at the beginning of his career”, says Sanborn. “He sent to me an easy demo tape on which he had taken up him only with his voice and guitar. The admission was wonderfully relaxed, and I immediately knew that we had to maintain this feeling also in the studio. James created it. He told the history - as well as he all his stories told - with a warm naturalness which beats off blues.”

It should last more than 30 years, until Ray Charles took up the classic “blues in The Night”. When he the piece 1979 written already in 1941, finally, for his album “Ain't It Thus” einsang, said he: “Harold Arlen and Johnny Mercer were whole nice sons of a bitch. With ‘blues in The Night’ they created one of the absolutely most magnificent Bluesballaden of all times. Everybody has this song in the repertoire, from Woody Herman through Artie Shaw to Rosie Clooney. I wanted to make him already for a long time, however, half an eternity needed to get an access to him. Finally, I strapped that it dealt with the tempo. I did not have to slow down the shit - and too scarcely.” Sanborn came to the same decision. His interpretation of this Arlen/Mercer number is, like, actually, everything on "Only Everything", an other passionate check of blues. And if David Sanborn submits blues of a check, he becomes in the time zurückkatapultiert when he only discovered this old grown musical spring and investigated full curiosity and passion. With whole heart and whole soul he invents the music in whose area he an indisputable master is here anew.

New Album



David Sanborn
Only Everything
VÖ: 19.02.2010
CD 0602527270531
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The Party is on ! Hope you join ! Love & Peace , Schru]]> http://www.last.fm/user/Schrubbel/journal/2009/12/04/37nnnh_to_billie_with_love_from_dee_dee%3A_bridgewater_-_hommage_an_billie_holiday Fri, 4 Dec 2009 16:04:21 +0000 http://www.last.fm/user/Schrubbel/journal/2009/12/04/37nnnh_to_billie_with_love_from_dee_dee%3A_bridgewater_-_hommage_an_billie_holiday Hommage an Billie Holiday



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http://www.lastfm.de/music/Dee%2520Dee%2520Bridgewater?ac=Dee%20Dee%20Bridgewater

Es gibt heutzutage nur wenige Jazzsängerinnen, die eine solch atemberaubende Bühnenpräsenz besitzen und ihr Publikum derart mitreißen können wie Dee Dee Bridgewater. Obwohl die Sängerin im kommenden Mai bereits ihren 60. Geburtstag feiert, sprüht sie auf der Konzertbühne immer noch vor Charme, Sinnlichkeit, Vitalität und musikalischem Witz. Davon können sich ihre zahlreichen deutschen Fans einmal mehr im Frühjahr 2010 überzeugen, wenn Dee Dee Bridgewater mit ihrer Band für sechs Konzerte nach Deutschland kommt, um dann ihr neues Album “Eleanora Fagan (1915-1959): To Billie With Love From Dee Dee” live vorzustellen.

Mit ihrer legendären Kollegin Billie Holiday verbindet Dee Dee Bridgewater eine ganze Menge. Denn schon kurz nachdem sich die Amerikanerin 1986 in Paris niedergelassen hatte, verkörperte sie dort in dem Bühnenstück “Lady Day” eben diese große Jazzdiva. Die Rolle brachte Dee Dee nicht nur eine Nominierung für den Prix Laurence Olivier ein, sondern führte sie nach einigen musikalischen Irrungen und Wirrungen zu ihren Jazzwurzeln zurück. Dank des Erfolges erhielt die Sängerin nach sechs Jahren Aufnahmepause endlich wieder einen langfristigen Plattenvertrag. Zu den Highlights, die sie seit 1986 für Verve aufnahm, gehörten die drei Songbook-Alben, die sie Horace Silver (“Love And Peace: A Tribute To Horace Silver”, 1995), Ella Fitzgerald (das Album “Dear Ella”, 1997, wurde mit zwei Grammys prämiert) und Kurt Weill (“This Is New”, 2002) widmete. An diese Songbook-Alben und natürlich auch an ihre Rolle in “Lady Day” knüpft Dee Dee Bridgewater auf ihrem neuen Album an, das voraussichtlich im Februar 2010 in Deutschland erscheint.

Live präsentiert sie das ungeheuer spannende Billie-Holiday-Programm am 2. März im Düsseldorfer Robert-Schumann-Saal, am 4. März in der Berliner Philharmonie, am 10. März in der Heidelberger Stadthalle, am 12. April in der Hamburger Laeiszhalle, am 15. April in der Stuttgarter Liederhalle und am 26. April schließlich ind der Alten Oper in Frankfurt am Main. Wegen des zu erwartenden Ansturms, sollte man sich deshalb schon frühzeitig um Karten für diese Konzertereignisse bemühen.



To Billie With Love From Dee Dee: Bridgewater,Dee Dee
VÖ: 05.02.2010
CD 0602527241555
Emarcy Records

Homage to Billie Holiday



http://www.deedeebridgewater.com/
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Nowadays there are only few jazz singers who can own such a breathtaking stage presence and so carry away her audience like Dee Dee Bridgewater. Although the singer already celebrates her 60th birthday in the next May, she sprays on the concert stage still before charm, sensuousness, vitality and musical joke. Her numerous German fans can convince themselves of it once more in spring, 2010 if Dee Dee Bridgewater with her tapes comes for six concerts to Germany to introduce then her new album "Eleanora Fagan (1915-1959): To Billie With Love From Dee Dee" live.

Dee Dee Bridgewater connects a lot with her legendary Mrs. Billie Holiday. Since quite briefly after itself the American in 1986 in Paris had lowered, she embodied there in the stage piece "lady Day" just this big jazz diva. The role introduced not only a nomination for the Prix Laurence Olivier in Dee Dee, but led back them to some musical Irrungen and confusions to her jazz roots. Thanks to the success the singer received a long-term record contract after six years of admission break, finally, again. Three Songbook albums belonged to the highlights which it took up since 1986 for Verve, them Horace Silver ("Love And Peace: A Tribute To Horace Silver", in 1995), Ella Fitzgerald (the album “Dear of Ella”, in 1997, was awarded with two Grammies) and Kurt Weill ("This Is New", in 2002) dedicated. Dee Dee Bridgewater on her new album which appears probably in February, 2010 in Germany goes back to these Songbook albums and of course also to her role in "lady Day".

Live she presents the tremendously exciting Billie Holiday programme on the 2nd of March in the Dusseldorf Robert shoemaker's hall, on the 4th of March in the Berlin philharmonic concert hall, on the 10th of March in the Heidelberg town hall, on the 12th of April in the Hamburg Laeiszhalle, on the 15th of April in the Stuttgart song hall and on the 26th of April, finally, ind of the old opera in Frankfurt am Main. Because of the rush to be expected, therefore, one should take care quite early of maps for these concert events.



To Billie With Love From Dee Dee: Bridgewater,Dee Dee
VÖ: 05.02.2010
CD 0602527241555
Emarcy Records]]> http://www.last.fm/user/Schrubbel/journal/2009/11/29/376xou_brian_culbertson_-_blick_hinter_die_kulissen_%28look_behind_the_scenery%29 Sun, 29 Nov 2009 16:22:21 +0000 http://www.last.fm/user/Schrubbel/journal/2009/11/29/376xou_brian_culbertson_-_blick_hinter_die_kulissen_%28look_behind_the_scenery%29 25.11.2009
Blick hinter die Kulissen



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“Mir kam es vor, als sei ich eines Tages schlafen gegangen und 15 Jahre später aufgewacht”, wundert sich Brian Culbertson über den rasanten Verlauf seiner Karriere. Seit er 1994 mit seinem ersten Soloalbum “Long Night Out” ins Licht der Öffentlichkeit trat, nahm er neun weitere Alben auf, die ihn immer wieder in die oberen Regionen (und mehrfach auf Platz 1) der Billboard-Charts führten, und absolvierte Tausende von Konzerten. Nach einem besonders mitreißenden Festivalauftritt im März 2009 hatte Culbertson die Idee, seinen bisherigen Werdegang zu rekapitulieren. So entstand der aufregende Doppelpack “Live From The Inside”, der aus einer 98 Minuten langen DVD und einer CD mit zwölf Songs (von denen nicht weniger als zehn Nummer-1-Hits waren) besteht. Für die CD, die auch eine brandneue Nummer bietet, nahm er seine größten Erfolge mit seiner aktuellen Band noch einmal vollkommen neu auf. Die DVD wiederum zeigt Culbertson bei der Arbeit im Studio, zeichnet ein Bild vom Alltag der Band während ihrer Tourneen und stellt alle an den Aufnahmen beteiligten Musiker in Interviews vor.

Als Sohn des Jazztrompeters, Musiklehrers und Highschool-Bandleaders Jim Culbertson 1973 in der im Mittleren Westen gelegnenen Provinzstadt Decatur/Illinois geboren, lernte Brian schon früh diverse Instrumente spielen: als Achtjähriger begann er mit dem Piano, wechselte dann über das Schlagzeug zur Posaune, bis er mit zwölf Jahren auch noch Baß lernte. Musikalische Inspiration lieferten ihm vor allem Platten von Maynard Ferguson, Buddy Rich, den Brecker Brothers, David Sanborn, Blood, Sweat & Tears, Tower Of Power und Earth, Wind & Fire. Auf seinem Debütalbum, das er mit 20 Jahren in seinem zum Heimstudio umfunktionierten Studentenzimmer größtenteils im Alleingang aufnahm, konnte er seine zahlreichen Talente dann gleich in vollem Umfang zur Geltung bringen.

Nichts anderes tut er nun auch auf der CD und DVD von “Live From The Inside”, die er mit den Musikern seiner bestens eingespielten Tourband aufnahm. Diese besteht aus Schlagzeuger Chris Miskel, Bassist Lamar Jones, dem Keyboarder und Sänger Eddie Miller, Gitarrist Wayne Bruce, Saxophonist und Sänger Marqueal Jordan, Trompeter Michael Stever sowie dem frühreren Earth Wind & Fire-Gitarristen und -Sänger Sheldon Reynolds. Verstärkt wurde diese energiegeladene Band unter anderem noch durch Freunde und prominente Gäste wie Gitarrist Ray Parker Jr., die Saxophonisten Dave Koz, Eric Marienthal, Michael Lington und Eric Darius sowie Brians Vater Jim Culbertson. Das Ergebnis ist eine hochklassige Session an der Schnittstelle zwischen Jazz, Funk, modernem und klassischem Rhythm’n’Blues. Zu den Highlights gehören dabei fraglos auch die Remakes der beiden Hits “Hollywood Swinging” (Kool & The Gang) und “Serpentine Fire” (Earth, Wind & Fire).



Brian Culbertson
Live From The Inside
VÖ: 24.11.2009
CD 0602527134376
GRP

Translation :
Brian Culbertson - Look behind the scenery



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http://www.lastfm.de/music/Brian+Culbertson

“It seemed to me as if I have gone to bed one day and have woken 15 years later”, Brian Culbertson is surprised at the rapid course of his career. Since he kicked “Long Night Out” in the light of the public in 1994 with his first solo album, he took up nine other albums which led him over and over again in the upper regions (and several times on place 1) of the Billboard charts and finished thousands of concerts. After an especially rousing festival appearance in March, 2009 Culbertson had the idea to recapitulate his present development. Thus originated the thrilling double stack "Live From The Inside" which exists of a DVD long 98 minutes and a CD with twelve songs (from which less than Ten number 1 hit were not). For the CD which also offers a brand-new number he took up his biggest results with his topical tapes once again completely anew. The DVD again shows Culbertson at the work in the studio, draws a picture of the everyday life the volume during her Tourneen and introduces all musicians involved in the admissions during interviews.

Born as a son of the jazz trumpet player, music teacher and Highschool-tape leader Jim Culbertson in 1973 in the provincial town gelegnenen in the middle west of Decatur/Illinois, Brian learnt to play quite early various instruments: as an eight-year-old he began with the piano, then changed about the percussion to the trombone, until he still learnt bass at the age of twelve years. Above all records of Maynard Ferguson, Buddy Rich, the Brecker Brothers, David Sanborn, Blood, Sweat & Tears, Tower Of power and Earth, wind & Fire delivered musical inspiration to him. On his debut album which he took up at the age of 20 years in his student room converted into the home studio mainly alone he could bring to bear his numerous talents then immediately in full extent.

He does nothing else now also on the CD and DVD of "Live From The Inside" which he took up with the musicians of his very well well-functioning tour tape. This passes of drummer Chri Miskel, bassist Lamar Jones, to the Keyboarder and singer Eddie Miller, guitarist Wayne Bruce, saxophonist and singer Marqueal Jordan, trumpet player Michael Stever as well as frühreren Earth wind & Fire guitarist and Fire singer Sheldon Reynolds. This dynamic tape, among the rest, still was strengthened by friends and prominent guests like guitarist Ray Parker Jr., the saxophonists Dave Koz, Eric Marienthal, Michael Lington and Eric Darius as well as Brians father Jim Culbertson. The result is a high-class session in the interface between jazz, radio, modern and classical Rhythm'n'Blues. Besides, the remakes of both hits "Hollywood Swinging" (Kool & The way) and "Serpentine Fire" (Earth, wind & Fire) also belong to the highlights undoubtedly.



Brian Culbertson
Live From The Inside
VÖ: 24.11.2009
CD 0602527134376
GRP]]> http://www.last.fm/user/Schrubbel/journal/2009/11/13/35o61p_jamie_cullum%3A_zeitloses_universum_aus_sound_%28timeless_universe_of_sound_%29 Fri, 13 Nov 2009 12:24:25 +0000 http://www.last.fm/user/Schrubbel/journal/2009/11/13/35o61p_jamie_cullum%3A_zeitloses_universum_aus_sound_%28timeless_universe_of_sound_%29 11.11.2009
Jamie Cullum: Zeitloses Universum aus Sound



http://www.jamiecullum.com/
http://www.jamiecullum.de/
http://www.lastfm.de/music/Jamie%2520Cullum?ac=Jamie

Jamie Cullum ist ein Künstler, der sich nur in Superlativen beschreiben lässt. Dabei ist sein Sound genau genommen zu vielseitig und komplex, um ihn mal eben mit ein paar gesteigerten Adjektiven zusammenzufassen. Wer ihn "einfach nur" als jungen Jazz-Musiker kennt oder weiß, wie grandios seine Coverversionen klingen ("High And Dry" von Radiohead oder Pharrells "Frontin’" z. B.), hat definitiv nur die Spitze des musikalischen Eisbergs gehört.

"The Pursuit", sein fünftes Album und die erste Soloveröffentlichung seit vier Jahren, lässt sich hingegen sehr gut mit dem Titel beschreiben, den er von Nancy Mitfords Roman "The Pursuit Of Love" (dt. Titel: "Englische Liebschaften") entliehen hat. Jamie Cullums "Pursuit" - sein Streben - ist es, seinen universellen Musikgeschmack mit der Liebe zum Jazz zu kombinieren und ein eigenes, zeitloses Universum aus Sound zu erschaffen, das über Genregrenzen hinweg begeistert. Mit "The Pursuit" hat diese Vision ihren Weg auf ein wunderbares Album gefunden.

Sämtliche Songs von "The Pursuit" entstanden zunächst in Jamies eigens eingerichtetem Londoner Studio bzw. in seiner Küche, bis er sich dazu entschloss, die eigentlichen Aufnahmen nach Los Angeles zu verlegen, wo er drei Monate im Sommer 2008 verbrachte. Obwohl sich die Arbeit mit seinem Produzenten und Langzeit-Kollegen Greg Wells als überaus ergiebig herausstellte, landeten einige der anfänglichen Aufnahmen aus seiner Küche schließlich doch in unveränderter Form auf der LP: "Wir mussten feststellen, dass es einige Elemente gab, die wir so in keinem Studio der Welt hinkriegen konnten", sagt er. "Zum Beispiel gibt es ein Rhodes-Solo auf dem Song ‘We Run Things’, das ich auf zwei unterschiedlichen Instrumenten in Los Angeles eingespielt habe, aber letzten Endes haben wir uns dann doch für die Aufnahme aus meiner Küche in London entschieden!"

Auch zehn Jahre nach der Veröffentlichung von "Heard It All Before" – seinem Debüt, in Kleinstauflage selbst veröffentlicht – ist Jamie noch immer auf der Jagd nach neuen Sounds und unverbrauchten Ideen (das ist der "Pursuit" aus dem Titel, wenn man so will, ein Streben und eine Jagd zugleich). Diese Jagd führte ihn zu einem Album, das mit einem Stück beginnt, das gemeinsam mit dem Count Basie Orchestra live im Studio von Tony Bennett in New York entstand, um mit einem astreinen Dance-Track und einem Jazz-Standard zu enden, der mit satten Downtempo-Beats unterlegt ist. Es ist kein Jazz, kein Pop – es ist einfach Jamie Cullum. Und das heißt großartige Musik!

"The Pursuit" erscheint am 13. November. Für weitere Informationen über Jamie Cullum besuchen Sie auch seine Künstlerseite bei JazzEcho.


Jamie Cullum
The Pursuit
VÖ: 13.11.2009
CD 0602527133027
Decca

Translation:
Jamie Cullum: Timeless universe of sound



http://www.jamiecullum.com/
http://www.jamiecullum.de/
http://www.lastfm.de/music/Jamie%2520Cullum?ac=Jamie

Jamie Cullum is an artist who can be described only in superlatives. Besides, his sound is too many-sided strictly speaking and is complicated to summarise him just with a few increased adjectives. Who knows him "just" as a young jazz musician or knows how magnificently his cover versions sound ("High And Dry "von Radiohead oder Pharrells" of Frontin'" e.g.), only the point of the musical iceberg has belonged definitively.

However, "The Pursuit", his fifth album and the first solo publication for four years, can be described very well with the title, which he by Nancy of coford Roman "The Pursuit Of Love" (Ger. title: Has borrowed "English love affairs"). Jamie Cullums "Pursuit" - his striving - is to combine his universal music taste with the love to the jazz and to create own, timeless universe from sound which arouses enthusiasm about genre borders away. With "The Pursuit" this vision has found her way on a miraculous album.

All songs of "The Pursuit" originated first in Jamies specially to furnished London studio or in his kitchen, until he resolved to move the real admissions to Los Angeles where he spent three months in summer, 2008. Although the work with his producer and long time colleagues Greg Wells turned out as exceedingly fertile, nevertheless, finally, some of the initial admissions from his kitchen landed in unchanged form on the LP: "We had to find out that there were some elements which we could do thus in no studio of the world", he says. "For example, there is Rhodes solo on the song ‘We run Things' which I have played in on two different instruments in Los Angeles, but, however, after all, we have decided on the admission from my kitchen in London!"

Also ten years after the publication of "Heard It All Before" – to his debut, in small baptismal situation published – Jamie is still on the hunt for new sounds and unused ideas (this is of the "Pursuit" from the title if one wants in such a way, a striving and a hunt at the same time). This hunt led him to an album which begins with a piece which originated together with Count Basie Orchestra live in the studio of Tony Bennett in New York to end with a great dance track and a jazz standard, that with full Downtempo beats puts under is. It is no jazz, no pop – it is simply Jamie Cullum. And that is great music!

"The Pursuit" appears on the 13th of November. For further information about Jamie Cullum you also visit his artist's side with jazz echo.


Jamie Cullum
The Pursuit
VÖ: 13.11.2009
CD 0602527133027
Decca]]> http://www.last.fm/user/Schrubbel/journal/2009/11/06/3518ko_eberhard_weber%3A_german_%22jazzpreis%22_given_to_a_german_jazz_master. Fri, 6 Nov 2009 10:13:15 +0000 http://www.last.fm/user/Schrubbel/journal/2009/11/06/3518ko_eberhard_weber%3A_german_%22jazzpreis%22_given_to_a_german_jazz_master. 04.11.2009
Eberhard Weber: Deutscher Jazzpreis für einen deutschen Jazzmaster

http://jazzblogger.de/index.php/albert-mangelsdorff-preis-deutscher-jazzpreis-fur-eberhard-weber/



http://www.lastfm.de/music/Eberhard%2520Weber?ac=Eberhard%20Weber

http://de.wikipedia.org/wiki/Eberhard_Weber

Seinen 70. Geburtstag feiert der Stuttgarter Bassist Eberhard Weber zwar erst am 10. Januar 2010, ein vorzeitiges Geburtstagsgeschenk erhält er aber bereits am 6. November 2009: Denn dann bekommt dieser Ausnahmekünstler der deutschen Jazzszene im Rahmen des Berliner JazzFests den Albert-Mangelsdorff-Preis (Deutscher Jazzpreis) überreicht. Mit dieser Auszeichnung ehren die GEMA-Stiftung und die Union Deutscher Jazzmusiker (UDJ) alle zwei Jahre eine herausragende deutsche Musikerpersönlichkeit für ihr Lebenswerk. Die Laudatio wird der Trompeter Manfred Schoof halten, der mit Eberhard Weber, Albert Mangelsdorff, Klaus Doldinger, Wolfgang Dauner und Wolfgang Haffner seit 1996 in der "German Jazz Masters"-Band Old Friends zusammenspielte.

Weber begann seine professionelle Laufbahn in den frühen 60er Jahren und spielte sein erstes Album unter eigenem Namen, "The Colours Of Chloë", 1973 für ECM Records ein. Elf weitere Alben für das Münchner Label von Manfred Eicher sollten noch folgen; das letzte war 2007 "Stages Of A Long Journey". Im Laufe seiner Karriere arbeitete Weber mit zahlreichen internationalen Jazzgrößen wie Baden Powell, Joe Pass, Hampton Hawes, Stéphane Grappelli, Mal Waldron, Gary Burton, Ralph Towner, Pat Metheny, Jan Garbarek und Barbara Thompson zusammen. 1982 überraschte er die Jazzwelt, als er auf dem Album "The Dreaming" der britischen Sängerin und Songschreiberin Kate Bush mitwirkte. Diesem vielbeachteten und überaus gelungenen Seitensprung ins Pop-Fach sollten danach noch weitere an der Seite von Kate Bush folgen.

Eberhard Weber ist der neunte Preisträger nach Alexander von Schlippenbach, Peter Kowald, Ernst-Ludwig Petrowsky, Heinz Sauer, Wolfgang Schlüter, Ulrike Haage, Ulrich Gumpert und Gunter Hampel.

Eberhard Weber
Colours
VÖ: 06.11.2009
CD 0602527196381
ECM Records

Translation :
Eberhard Weber: German "Jazzpreis" given to a German jazz master !



http://en.wikipedia.org/wiki/Eberhard_Weber

http://www.lastfm.de/music/Eberhard%2520Weber?ac=Eberhard%20Weber

The inhabitant of Stuttgart bassist Eberhard Weber celebrates his 70th birthday though only on the 10th of January, 2010, he receives an untimely birthday present, however, already on the 6th of November, 2009: Since then this special artist of the German jazz scene within the scope of the Berlin jazz party gets the Albert's Mangelsdorff price (German jazz price) handed. All two years honour the GEMA endowment and the union of German jazz musician (UDJ) a prominent German musician's personality for her life work with this honouring. The trumpet player Manfred Schoof who played together with Eberhard Weber, Albert Mangelsdorff, Klaus Doldinger, Wolfgang Dauner and Wolfgang Haffner since 1996 in the "German jazz masters" volume Old Friends will hold the eulogy.

Weaver began his professional career in the early 60s years and played in his first album under own name, "The Colours Of Chloë", in 1973 for ECM Records. Eleven other albums for the Munich label of Manfred Eicher should still follow; the last was in 2007 "Stages Of A Long Journey". In the course of his career weaver by numerous international jazz dimensions worked together like Baden Powell, Joe Pass, Hampton Hawes, Stéphane Grappelli, spot Waldron, Gary Burton, Ralph Towner, Pat Metheny, Jan Garbarek and Barbara Thompson. In 1982 he surprised the jazz world when he helped on the album "The Dreaming" of the British singer and song writer Kate Bush. To this much-noticed and exceedingly successful side jump in the pop field should follow afterwards even next at the side of Kate Bush.

Eberhard Weber is the ninth prizewinner after Alexander von Schlippenbach, Peter Kowald, Ernst-Ludwig Petrowsky, Heinz Sauer, Wolfgang Schlüter, Ulrike Haage, Ulrich Gumpert and Gunter Hampel.

Eberhard Weber
Colours
VÖ: 06.11.2009
CD 0602527196381
ECM Records]]> http://www.last.fm/user/Schrubbel/journal/2009/10/31/34i6du_happy_halloween_nonstop_party_tonight_%21 Sat, 31 Oct 2009 13:13:22 +0000 http://www.last.fm/user/Schrubbel/journal/2009/10/31/34i6du_happy_halloween_nonstop_party_tonight_%21 Hi Friends ! Let´s celebrate a hot "Halloween Nonstop Party Tonight " at 6pm (MEZ) . Send me Recomms , I play them for you on http://www.lastfm.de/user/Schrubbel

Have lots of Fun and a Hot Weekend ! Kisses Schru.
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