en http://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/2.0/uk/ Thu, 1 Jan 1970 00:00:00 +0000 Thu, 1 Jan 1970 00:00:00 +0000 60 http://www.audioscrobbler.net/data/webservices http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal The Last.fm journal for calleneptuno. Last.fm journals are a place to talk about all things music. http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2011/04/29/4ctr3j_diabolus_%28rese%C3%B1a%29 Fri, 29 Apr 2011 17:44:13 +0000 http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2011/04/29/4ctr3j_diabolus_%28rese%C3%B1a%29 "La banda que el mundo olvidó", dice Max von Seibold, hijo del baterista de Diabolus, en una pequeña página web dedicada a su memoria (www.diabolustheband.net). Formada en Oxford, Inglaterra, Diabolus es un predecesor temprano del rock sinfónico de los años 70. Sus miembros: John Hadfield (primera guitarra, voces), Anthony Hadfield (bajo, voces), Philip Howard (flauta, sax tenor, órgano, piano, voces), Ellwood von Seibold (batería, percusiones) y Peter Cornel (papel desconocido). Separaciones y reuniones aparte, Diabolus parece seguir tocando bajo el nombre de sunfly.

Su único LP, "High Tones", fue grabado en 1971, en Londres, producido por Hugh Murphy y Shel Talmy (The Who); pero nunca se lanzó por razones 'comerciales'. Una edición alemana no autorizada, bajo el sello Bellaphon alcanzó el mercado y logró audiencia aún sin que los integrantes de la banda lo supieran. Cuando se enteraron, a mediados de los 90, recuperaron los derechos y relanzaron el album con Sunrise Records, Europa, respetando la portada de la versión 'pirata'.

La música avanza desde tonadas folk hasta la instrumentación excesiva, incluyendo flauta, sax y coros cantados por tres de los integrantes, pasando por la fusión con el jazz y con técnicas de composición de tiempo complejo. Los coros pueden recordar a Gentle Giant; el sonido de la flauta los acerca a Jethro Tull. El sax prefigura cosas del estilo de Pink Floyd, pero mientras en PF el sax es un 'invitado', en Diabolus viene como una parte del todo. Algunos temas se acercan al jazz eléctrico, con momentos de total improvisación libre.

Muy recomendable.]]> http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2009/08/18/2y34w5_%22%27round_midnight%22%2C_desde_muchos_puntos_de_o%C3%ADdo Tue, 18 Aug 2009 02:14:56 +0000 http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2009/08/18/2y34w5_%22%27round_midnight%22%2C_desde_muchos_puntos_de_o%C3%ADdo Cosas simpáticas. Puse "'Round Midnight" en el filtro de mi colección de música y quedaron trece temas: dos de Bill Evans(1963 y 1967), dos de Herbie Hancock (1981 y 2004), y el resto, en orden de año de grabación (1947-2004), así: Thelonius Monk, Miles Davis, Corea-Vitous-Haynes, Art Ensemble Of Chicago con Cecil Taylor, Roberto Aymes, Keith Jarrett Trio, José Luis Madueño, Amy Winehouse y Jorge González.

Escrita por Thelonious Monk a mediados de los años 1940, "'Round Midnight" fue alimentada por la versión de Miles Davis de 1955, desde donde despegó hasta convertirse en el jazz standard más visitado de la historia del jazz.

En las 13 versiones a mi alcance destaca el hecho de que, mientras la versión de Monk, de 1947, dura apenas tres minutos, la más larga de las trece dura diez. El promedio oscila en los 6:30, con dos picos, uno en 6, de los jazzistas gringos, y el otro en 8, de los latinoamericanos. Al escucharlos resalta que esa longitud en los latinoamericanos (Aymes 7:35, González 7:27, Madueño 10:10) está dedicada al lucimiento individual, especialmente en la de González, un solo de guitarra de 7 y medio minutos. La de Aymes, aburrida, demasiado "correcta", se prolonga con un solo de saxofón que podía no haber estado ahí, y la de Madueño, también muy clásica, a no ser por un tema introductorio a la Metheny. González, con guitarra sola, se toma las armonías de pretexto para experimentar esto y aquello... Hay en la lista un divertimento, un B-side de Amy Winehouse, de cerca de cuatro minutos, siguiendo la letra que le añadió Bernie Hanighen al tema, pero siendo sobrepasada por la armonía.

En cambio, la mayor parte de las versiones propiamente jazzísticas suenan más integrales. Aun con espacios para el lucimiento, la integralidad del tema permanece, se sigue escuchando siempre el gran clásico. Cada una de las interpretaciones de Miles, Hancock, Evans, Jarrett, Taylor y Corea, resulta una propuesta musical completa, una verdadera recreación. Quizá falta madurar en el latin jazz, dejar que la individualidad se opaque tras la obra.]]> http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2009/05/27/2r4zxr_s%C3%ADntesis%2C_absolutamente_s%C3%ADntesis Wed, 27 May 2009 02:48:36 +0000 http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2009/05/27/2r4zxr_s%C3%ADntesis%2C_absolutamente_s%C3%ADntesis En los años dorados de la nueva trova cubana (léase fines de los 70), apareció un disco muy provocativo para quienes, al margen de la filiación política, éramos fans de los grandes progresivos. Había salido en el sello Ncl (Nueva Cultura Latinoamericana -todo era nuevo entonces-), se titulaba "En busca de una nueva flor" (más novedades) y lo firmaba un grupo cubano que se identificaba con el rock progresivo: Síntesis.

Por supuesto, lo compré y lo escuché con optimismo. Nada prometía entonces fusionar, sintetizar, esos dos momentos de nuestros fanatismos juveniles: la poesía revolucionaria y su espíritu liberador, y la complejidad musical de un Genesis o un Rush. Me aficioné al disco más por voluntad que por verdadero gusto. 30 años después, el álbum no resiste la revisita, a no ser por la nostalgia (precisamente ese motivo tan contrario a la novedad que alentaba esos años).

Excesos en el uso de precarios elementos electrónicos, abuso de elementos corales y una poesía rayando en lo naive; temas largos sin motivo, recursos de alteración de ritmo y armonía, pero sin la genialidad de sus contemporáneos ingleses, en fin... Un disco muy raro para ser nueva trova cubana, muy cubano para ser rock progresivo. Pero así y todo, lo devoré por años, creyendo que era el punto de llegada de nuestras tendencias.

Años después, quizá a mediados de los 80, compramos boletos para ir a ver a uno de los representantes "menores" de la nueva trova, Amaury Pérez, que iba al DF acompañado precisamente por esa banda: Síntesis. No me gustaba Amaury Pérez, pero la posibilidad de verlo con Síntesis le daba a su concierto cierto atractivo. Gran sorpresa: Síntesis tocó sin Amaury durante 20 minutos, como para abrir boca. Cuando salió el protagonista principal, todo se convirtió en esperar solos y puentes instrumentales para ver a ese portento de banda, tratando de hacer caso omiso del showman vestido de negro.

El estilo había cambiado. Del abuso de los sintetizadores solo quedaba un eco en la batería electrónica con que se afirmaba una de las muestras de rock fusión más impresionantes que me ha tocado ver en vivo. La tónica poética neotrovera había muerto; la experimentación armónica y de tiempo había dado paso a un proyecto de rebobinación de la tradición negra más pura de la isla. "Mereguo", se convirtió en la nueva señal de la exploración musical, algo que no se había oído nunca.

Algún tiempo después, el disco "Ancestros" ya estaba ahí. Es, hasta hoy, una de las cosas que más disfruto escuchar. Se acabaron los devaneos discursivos, y a la voz de los cantos santeros, Changó, más originales que se puede oir, empezó a danzar un jazz fuerte, sobre base rítmica no solo sostenida, sino imprescindiblemente terca, que no podía otra cosa más que provocar el trance frenético de una ceremonia pagana de esclavos libertos en la manigua.

Cada uno de los dioses de ese panteón expatriado del África, tiene su rito en "Ancestros". Se trata de unos antepasados tan vivos, que parecen espectros presentes. Yemayá, Odudduá, Asoyín, Changó, los Orishas en familia, danzan a tu alrededor sin soltar tu atención ni un segundo. Y por no mencionada, su militancia política en la voz de esa tradición de la locura, se hace tanto más fuerte que cuando cantaban, en 1978, "a mi país" y a otras cosas buenas y nuevas.

En 1994, ya bastante maduros, con Carlos Alfonso en la titularidad del grupo, se unen a Silvio Rodríguez, quien los dota de una poética bastante sólida. Aunque representaba un poco la vuelta a lo "nuevo" de antes, logran una combinación estupenda: le dan a Rodríguez la musicalidad que siempre extrañó su guitarra (excepto con Síntesis y con Afrocuba), mientras éste aporta un poco de su producción más compleja (sonetos endecasílabos casi perfectos y muy inteligentes) y muy crecida (probablemente, la mejor señal está en el coro de "Parte del tiempo": "El nuevo tiempo no es un tiempo nuevo / es solo tiempo, viejo conocido"). Con excepción de la pista que abre el disco y le da nombre, "El hombre extraño" (por cierto, único tema cantado por Rodríguez), el disco es una pieza extraordinaria.

En 1997 sale "Orishas" (Ancestros II), con la misma filosofía que Ancestros, pero mucho mayor maestría en la ejecución. Y para 2005, reeditan los dos Ancestros, añadiendo un tercer volumen, y salen en paquete, como trilogía.

A veces no es fácil acceder a la producción musical que circula en la isla, tal y como circula en la isla. Ciertas recopilaciones que se pueden encontrar en la blogosfera me han dado la oportunidad de escuchar singles aislados, tanto de la época progresiva como de su actualidad más radiofónica. En una versión de "En busca de una nueva flor" pueden escucharse dos bonus tracks de 1981 que recuperan otro tipo de tradición folclórica cubana, más cercana a la herencia colonial española, y por tanto emparentada con el folclor latinamericano general (desde el huapango y el vals ranchero mexicanos, hasta la marinera peruana, el joropo venezolano, la samba argentina o la chacarera chilena): el clásico 6/8 de la contradanza, representado en "Variaciones sobre un zapateo" y "Elogio de la danza". El primero resalta por el moderno manejo de la tradición antigua, con un parentesco impresionante con el "Saltarelo" de Death Can Dance, y el segundo con estructura de variaciones progresivas, pero mucho menos forzadas que en las pistas anteriores, que permiten transcurrir por los 10 minutos de música sin cansancio.

En la recopilación "Lo mejor", del 2000, hay tres temas que plantean un paso más adelante de la fusión Changó, apuntando al single más de radio, e incluyendo elementos hip-hop. De estos temas destaca "Amalia", que cuenta en blues la historia de una hermosa habanera que "se apagó".

Síntesis: una hermosa propuesta, sólida, con 30 años de paso por la música, que gana frescura con el paso de los años.]]> http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2008/12/16/2c73ae_%C2%A1mingus%2C_mingus%2C_mingus%21 Tue, 16 Dec 2008 14:52:57 +0000 http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2008/12/16/2c73ae_%C2%A1mingus%2C_mingus%2C_mingus%21 Entre las rarezas que han alcanzado posiciones importantes en la historia de la música moderna, está, destacadísimo, The Black Saint And The Sinner Lady de Charles Mingus. Grabado en 1963, este ejemplo de "música étnica folk para bailar", como la calificó el genial autor, permanece como un eslabón perdido que comunica la era del hard-bop con la del free jazz; ambos subgéneros en los que Mingus tuvo un papel de demiurgo.

Las cuatro pistas de The Black Saint... sorprenden por la mezcla viva de elementos hasta entonces poco comunes en el Jazz. Improvisaciones al piano que, desde un aliento Duke Ellington, prefiguran, por casi una década, el estilo que acuñaría más tarde Keith Jarrett; un manejo de percusiones que rescata lo mejor de la era "Latin" de Dizzie Gillespie y los atisbos al estilo de Ornette Coleman y el nacimiento del Free Jazz.

La orquestación, con preeminencia de los metales, pero también con presencia de guitarra acústica y trompeta solista a la española, viaja de la cadencia del blues hasta una entrecortada improvisación que recuerda los momentos más luminosos de Charlie Parker, el viejo compinche de Mingus.

A pocos años de su muerte en Cuernavaca, Mingus demostraba su capacidad para renovar el lenguaje del jazz justo en el momento en que sus modelos de medio siglo se agotaban. Nada sería el jazz contemporáneo sin Mingus.]]> http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2008/11/09/29nhgq_kronos_quartet%2C_howl%2C_u.s.a._%28rese%C3%B1a%29 Sun, 9 Nov 2008 03:57:54 +0000 http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2008/11/09/29nhgq_kronos_quartet%2C_howl%2C_u.s.a._%28rese%C3%B1a%29 Kronos Quartet, Howl, U.S.A.
EUA, 1996
Disquera: Nonesuch Records
Género: Música académica / avant garde

Muchos de los discos del cuarteto Kronos se han dedicado a interpretar la obra de los compositores más destacados en el ámbito de la música académica de los últimos años del siglo XX y principios del XXI. Es el caso de Howl, U.S.A., en el que este fabuloso ensemble estadounidense aborda la musicalización inspirada por uno de los poemas más importantes de la historia literaria contemporánea: “Aullido” de Allen Ginsberg.

La propuesta musical es una obra para narrador y cuarteto de cuerdas, de Lee Hyla, un compositor neoexpresionista oriundo de Boston. Transita en los arcos de Kronos, por debajo de la lectura del poema en la voz del mismísimo Ginsberg. Tres grandes, pues, en una obra. Detrás de la rasposa voz del máximo poeta beat, se extiende la camerata, neurótica, subrayando las palabras: “He visto a las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura, muriendo de hambre, histéricas, desnudas, arrastrándose por los barrios de negros al amanecer, en busca de la iracunda dosis, hipsters cabeza de ángel ardiendo por la ancestral conexión celeste con el dínamo estrellado en la máquinaria de la noche...”

Un tesoro discográfico, un documento de la historia contemporánea, nunca tan oportuno como hoy, cuando los vientos del cambio dicen soplar por esas tierras del norte, engañando al mundo con falsas esperanzas de suavizar la violencia del imperio. Para completar el cuadro, este cuadro de una bandera estadounidense gris y deshilachada, el disco incluye también la “Suite de la Guerra Fría”, de Scott Johnson; la suite “Barstow” de Harry Partch, y la suite “Sing Sing: J. Edgar Hoover” de Michael Daugherty.]]> http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2008/11/09/29nhdk_apple_pie%2C_crossroad_%28rese%C3%B1a%29 Sun, 9 Nov 2008 03:55:01 +0000 http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2008/11/09/29nhdk_apple_pie%2C_crossroad_%28rese%C3%B1a%29 Apple Pie, Crossroad
Rusia, 2007
Disquera: Mals
Género:rock neoprogresivo / Rock sinfónico

En plena era de la hegemonía del pop burro, resalta que surjan propuestas de música inteligente. Aunque se parezcan a otros viejos y no tan viejos proyectos. Apple Pie es una banda de rock neoprogresivo procedente de Rusia, que se ha ido colocando entre lo más destacado del subgénero, al menos en las páginas de quienes reseñan discos de este corte.

Con la instrumentación clásica del progresivo (guitarras acústicas y eléctricas, batería y percusiones, teclados, bajo y voces), pero alimentada en algunas pistas y pasajes con estupendas secciones de metales, Crossroad, su álbum debut producido en 2007, plantea un agradable viaje en el que se cruzan muy diversas sensaciones. El título significa, literalmente, “cruce de caminos”, y describe a cabalidad la experiencia de escucharlo. A diferencia de otras propuestas provenientes de la misteriosa Rusia postsoviética, que se nos hacen ajenas, lejanas por la imposibilidad de entender lo que dicen sus hablantes, Apple Pie ha tenido la cortesía de dirigirse al gran mercado mundial mediante letras en inglés, bien cantadas y bastante comprensibles para quienes mastican la lengua de Shakespeare, portadoras de mensajes sencillos con cierta carga filosófica cristiana: la siempre vigente confrontación del bien y el mal.

En el buen rock progresivo lo interesante fue siempre aquello capaz de rebasar el lenguaje hablado: el virtuosismo en la ejecución, la creatividad y la ruptura de límites propios del pop (el manejo de tiempos compuestos, de armonías disonantes, de estructuras cambiantes; el uso de figuras como la fuga, el canon y otras provenientes de la música clásica). Apple Pie, con ligereza y naturalidad, camina por derroteros sinfónicos, saltan al funk y a la balada acústica; vuelven al uso de coros a la Gentle Giant y manejan la voz al estilo de Spock's Beard, probablemente la influencia más clara de estos rusos. Para los interesados, Apple Pie tiene presencia en internet: www.applepie-mus.narod.ru y quien sabe buscar, podrá obener mp3 de buena resolución en la blogosfera. Altamente recomendado.]]> http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2008/05/22/1zmw3y_%C2%BFcon_qu%C3%A9_se_come_gnidrolog%3F Thu, 22 May 2008 04:03:27 +0000 http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2008/05/22/1zmw3y_%C2%BFcon_qu%C3%A9_se_come_gnidrolog%3F Es interesante encontrar que Gnidrolog, uno de los nombres más olvidados del rock progresivo de los setenta, que ha producido tantos sobrevivientes, se hace presente treinta años después. Hoy, sus dos discos (iba a decir "más importantes", pero en realidad son los únicos: In Spite Of Harry's Toenail y Lady Lake) están disponibles en una edición digital doble, localizable también, por supuesto, en el underground on line. Y aprovechando la ola neoprog de fines de los 90, editaron en 1999 un concierto de 1972, como preparando el terreno para un nuevo álbum en estudio, auténtico fénix de una discografía, que lleva el pomposo nombre de Gnosis. (Por desgracia no he podido encontrar el nuevo, pero igual sería motivo de otro capítulo: la restauración de un equipo, sus razones tantos años después y lo que consiguen).

Tiene una estructura electroacústica, donde predomina el esquema progresivo de instrumentación (Guitarras 1 y 2, teclados -piano-, bajo, batería), pero con un toque particular en el que se suman un multivientista, un cello ocasional y, lo más importante, el estilo en la composición, en la voz y en la poética.

Los discos salieron en 1972 y 1973. El grupo compartió escenarios con King Crimson, Gentle Giant y Magma, compitiendo con estrellas tan deslumbrantes como Islands y Larks' Tongues in Aspic, del primero; Octopus, Three Friends e In A Glass House del segundo, y 1001º Centigrades y Mekanik Destruktiw Komandoh del tercero.

Tiene la complejidad de sus vecinos; la creatividad y el virtuosismo. Tiene también las ideas, la herencia poética de la psicodelia, problematizada, y la construcción inteligente de preocupaciones existenciales. ¿Por qué no se hizo famoso? ¿Dónde están los discos que faltaban para construir una discografía medianamente memorable como las de Gentle Giant, Magma, Van Der graf Generator, Premiata Forneria Marconi, y tantos más? Wikipedia, en artículo sin fuentes, acusa a Gnidrolog de haberse desbandado por falta de éxito comercial.

Debe haber muchas razones. Tal vez desde el nombre, que fue alcanzado mediante un juego de letras con el apellido de los hermanos Goldring (según, otra vez, Wikipedia), fundadores de la banda; puede parecer el nombre de un duende escocés o del hallazgo mineral de un alquimista artúrico, pero es difícil de pronunciar y la literatura fantástica recién comenzaba a preparar a la imaginación pública para recibir este tipo de aventuras (exceptuemos, siempre, a Magma y su idioma extraterrestre), hoy tan comunes.

Tal vez el tono de chicos leyendo el pautado de algunos de sus pasajes más complejos, tanto que no sería posible memorizarlos y tendrían que convertirse en orquesta de cámara estridente para llegar al final de los ocho minutos de la pieza. O la calidad de grabación, que no parece ser muy clara (los de RCA no se esmeraron en la remasterización digital), o todos estos factores juntos en un contexto en que la competencia era demasiado poderosa: además de los mencionados, fueron los años de Foxtrot y Selling England By The Pound, de Genesis; Meddle y Dark Side of the Moon, de un madurísimo Pink Floyd; Trilogy y Brain Salad Surgery de Emerson, Lake and Palmer; Thick As A Brick y A Pasion Play de Jethro Tull... (un día habrá que evaluar año por año del 70 al 74 para entender por qué se produjo en Inglaterra y Europa tanta maravilla). Y si a este contexto se suma que los Gnidrolog no parecen haber sido especialmente carismáticos, ni contaron con el marketing que la disquera debía poner, o con un buen productor, se comprende su caída.

Pero hoy está aquí, con toda esa agua que ha pasado bajo el puente y va calando, día a día, entre jóvenes probablemente ávidos de encontrar desde el hoy, esos tiempos. De paso nos brindan, a los más caminados, la oportunidad de conocer lo que en su momento nos perdimos (yo empecé a oir música de principios de los 70, a principios de los 80, y era totalmente improbable que llegara Gnidrolog a mis manos). Hoy hay lugar para más, y quiere decir que el mundo se abre.]]> http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2007/05/16/b7kjh_todo_el_magma_de_la_tierra Wed, 16 May 2007 01:52:53 +0000 http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2007/05/16/b7kjh_todo_el_magma_de_la_tierra En 1994, en el departamentito que tenía Maricarmen Graue en la colonia Nápoles, Víctor Aramburu me habló por primera vez de Magma. Dijo que se trataba de un rock progresivo muy serio y mencionó que usaban un lenguaje inventado por ellos mismos. A Víctor había que creerle: en ese tiempo ya era bajo titular de la Orquesta Sinfónica Nacional de México y, al mismo tiempo, uno de los pocos bajistas mexicanos que podían tocar un fretless como Jaco Pastorius. Tenía una colección de vinilos y compactos que podía ser la envidia de una estación de radio, y conocía secretos reservados a unos cuantos iniciados. Como el que me entregaría en el siguiente encuentro, esta vez en mi departamentito de la calle Torreón.

Víctor me trajo un disco de Magma, el Merci, advirtiéndome que era reciente (1984, ya tenía 10 años) y, como todos los grandes progresivos de los 70, un poco pop. Lo pasé a un cassette, que eran las posibilidades a mi alcance entonces, y durante años fue lo que tuve de Magma. Bastaba. Si eso era pop, el Genesis de Abacab era vals vienés. Los coros, la voz en desafío de Stella Vander, la instrumentación siempre excediendo los parámetros de cualquier otra banda, pero siempre con el soporte de la percusión precisa de Christian Vander –generador del mito y la mitología– y de la armonía de un ensamble casi sinfónico. Especialmente los 11 minutos de Eliphas levi, sus cambios de atmósfera sobre una combinación de ritmo y bajo invariable; todos los recursos de estos genios franceses, incluyendo las letras en kobaïano, el viejo idioma de Anteria, perfectamente ensamblados para el homenaje al mago oscurantista Constant.

Más tarde, Napster me trajo algunos de los temas de los 70, como Wurdah itah, pero tardaría años en lograr escuchar completos los míticos discos de la saga anteriana. En un puesto de las galerías piratas de Polvos Azules, en el centro de Lima, encontré después una copia de Mekanïk Destruktïw Kommandöh (MDK, 1973) y empecé a conocer en verdad la historia de estos virtuosos. Hace un año y medio, más o menos, di con un torrent de cerca de 10 gigas en el que estaban incluidos todos los discos de Magma, recopilaciones, pseudónimos, conciertos en todo el mundo y de todos los años hasta el 2004; solistas de C. Vander, Stella Vander, Janick Top; la discografía jazzística de C. Vander y un par de soundtracks, entre ellos, el de Cristóbal Colón. Fueron como tres meses de conectar noche tras noche con los torrents hasta que el paquete llegó, checksum correcto y todo. Me di a la tarea de estudiar Magma. Primero escuché con atención los albumes de estudio del 70 al 75 y después los conciertos en que se interpretaron esos discos, año tras año, hasta MDK en el Triton de París, ya en este siglo. Después los pseudónimos (The Unnamables y otros) y todo Offering. Terminé con los trios y cuartetos de Vander jazzista y con los solos de Stella y Top. Definitivamente, de la larga y prolífica historia, la saga de ciencia ficción alrededor de la mítica Kobaïa es lo mejor. Pero escuchar Magma, a veces, es cuestión de decidirse a pasar un tiempo en una exploración compleja y exigente. No se pone en cualquier circunstancia; se tiene que escuchar con cuidado y con disposición abierta ante sus dificultades. Excepto por Merci, que con su acento pop y sus tracks breves (11 minutos de “Eliphas Levi” es el más largo, y ni siquiera se acerca a MDK, cualquiera de cuyas versiones sobrepasa los 40 minutos), deja volver a Magma con frecuencia; a partir de ahí se abre el apetito y comienza el viaje intergaláctico.

Cuento los días para volver a México con los casi 10 gigas de Magma para regalárselos a Víctor en agradecimiento por ese secreto que me compartió hace casi 15 años.

Postscriptum
Navegando por internet encuentro que durante 2006 y 2007 Magma ha lanzado una colección de DVD, y que tienen el año lleno de fechas en vivo, incluyendo el Triton. Deberían darles un premio a la constancia, aunque sea obra de Christian Vander solamente.]]> http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2007/05/15/b7kjg_el_sobreviviente_alan_parsons Tue, 15 May 2007 16:30:47 +0000 http://www.last.fm/user/calleneptuno/journal/2007/05/15/b7kjg_el_sobreviviente_alan_parsons Cayó en mis manos una colección de discos recientes de Alan Parsons (con recientes me refiero a aquellos que vieron la luz desde fines de la década de 1980; yo me quedé en The Turn of a Friendly Card). Hacía años desde la última vez que escuché un disco completo del autor. Hace un par de años revisité algunos de los tracks del LP dedicado a Poe, a raíz de un arranque de nostalgia producido por el Raven de Lou Reed, que me pareció interesante pero no genial.

Esta reciente exposición a los calmos decibeles del ingeniero Parsons confirmó la sensación de aburrimiento que me había dejado desde que se le ocurrió aquello de Eye in the Sky, siendo yo todavía un adolescente. Cada vez más pop y más repetitiva, la música del binomio Parsons-Woolfson ha demostrado con los años su agotamiento. El casi único valor que se le puede reconocer es la estabilidad de su sonido, la perfección del audio. Pero tiene sus "destaques", como dicen los brasileros: algunos de los temas de Gaudí se salvan, y especialmente, casi en su totalidad, el album del 2004: A Valid Path. Parsons incursiona en los sonidos trance y demuestra que sí fue pionero del tecno y que aún puede posar en esa foto. Recomendable.

Entre lo demás (Stereotomy, Freudiana, Vulture Culture y una larga secuela de remasterizados, compilados y éxitos) es completamente olvidable, quizá con la excepción del disco 1 the The Essential Alan Parsons Project (2007), que recoge los mejores temas de su buena época (70 y 80) y un interesante Instrumental Works (1988).]]>